Back to the Present es la primera exposición individual de Julio Anaya Cabanding en ADN Galeria. Esta muestra gira principalmente en torno a la presencia de obras de este artista en la Colección Manuel Expósito, centrándose en aquellas relacionadas con las vanguardias históricas y el homenaje a figuras como Man Ray, Picasso, Malévich o De Chirico.
Este proyecto, incluído dentro del marco del Barcelona Gallery Weekend – The collector is present, contará con una pre-inauguración los días 19 y 20 de mayo, días en los que tendrán lugar unas visitas guiadas a cargo del coleccionista.
Finalmente, la inauguración tendrá lugar el 3 de junio de 2023, a partir de las 12:00.
Formado en dibujo clásico desde los seis años, licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Málaga, apasionado de la historia de la pintura y sintonizado con las dinámicas de colonización visual callejera, Julio Anaya Cabanding empezó a llamar la atención reproduciendo obras canónicas de la historia del arte en espacios inesperados, como espacios urbanos desafectados y edificios abandonados. Privando a las imágenes del simbolismo del espacio institucional que las cuida y legitima, estas obras modifican la recepción de los grandes maestros del pasado, al mismo tiempo que cuestionan el poder icónico de las imágenes. Más tarde, el consenso internacional que reconoció lo peculiar de su práctica derivada del Street Art, llevó al artista a la búsqueda de nuevas vías de exposición para sus obras que fuesen compatibles con su visión creativa. Cambiando el espacio público por el uso de soportes precarios, Anaya Cabanding se propuso responder a la tesitura que suponía reconducir su trabajo de vuelta a la institución arte, activando una iconosfera circular y permeable, sin sacrificar esencias callejeras y desplegando su trabajo en espacios expositivos high and low. El artista empezó a aprovisionarse de cartones encontrados, residuos que trata con látex para endurecer y convertirlos en un buen soporte donde plasmar su particular revisión de la historia del arte. Trampantojos que nos fascinan, tanto por el efecto pirotécnico del virtuosismo, como por la intrínseca belleza de la gran pintura. Con esos nuevos soportes, cartón, maderas o escombros de obra, la imagen de lo representado se ve interferida por las texturas, accidentes e imperfecciones de los soportes residuales. Es en esa cadena de adentros y afueras, de copias, autorías, respetos y homenajes, de mano talentosa y mirada selectiva, donde los ecos dejan de estar sincopados y nos gana. Ha sido con estos soportes pobres, como veremos en la exposición, que ha realizado alguno de sus proyectos más emblemáticos en múltiples latitudes, reclamado la atención de instituciones públicas y galerías privadas, tanto a nivel nacional como internacional.
En El Desprecio de las Masas Peter Sloterdijk sugiere que la batalla entre la alta y baja cultura estaría enraizada en los orígenes aristocráticos de lo supuestamente culto, en la apropiación por parte de los privilegiados de la cultura sofisticada. Las masas, hoy prácticamente todos, rechazarían la alta cultura como parte de una venganza cultural. Este boicot, armado también desde las prácticas de la vanguardia histórica y la neo-vanguardia setentera, proponen una fusión de arte y vida de la que también participa la práctica de Anaya Cabanding.
Con esta idea en mente, hemos preparado una muestra que reúne tanto ejemplos de derivas constructivistas como surrealistas, que va desde el cubismo de Picasso y el suprematismo de Malévich hasta el Dadá de Man Ray, el surrealismo metafísico de De Chirico, y, finalmente, la irreverencia conceptual de Duchamp. Todos reunidos en una misma sala gracias a las manos de Julio Anaya Cabanding que recupera estás imágenes ya clásicas en un gesto tan subversivo como vital. Las transporta a un espacio donde no se imponen, las invita a la contingencia del tiempo-Kairós, a la imposibilidad de una criogenización simbólica. En caso de que estas imágenes reconfiguradas sean ocasionalmente engañadas por el tiempo-cronos y vuelvan al templo secular, llevarán consigo la fragilidad de la vida, de toda creación como acto, así como la persistencia en revelar la condición del museo como una «caja entrópica».
Ahora está desgarrándose en sus rincones cuadrados.
Anne Sexton, «El beso», Poemas de amor
Primera exposición individual de Pablo del Pozo en Galeria Joan Prats, titulada Mi boca florece como un corte, que incluye tapices y esculturas recientes de diferentes tejidos y formatos.
Tras su exposición Cuando iba, iba con ella, y cuando volvía, me encontré con ella (2018) en la galería con Aïda Andrés Rodrigálvarez – en la que Pablo del Pozo utilizó materiales como arcilla, yeso, pigmentos y objetos recuperados para generar una reflexión en torno a la precariedad de la vida como realidad cotidiana-, ahora el artista opta por una nueva línea de investigación en la que abraza temáticas y materiales inéditos en su obra.
El título de la exposición corresponde al primer verso del poema «El beso» de la escritora norteamericana Anne Sexton (1928-1974). El encuentro fortuito con este ejemplo de lírica, cuyo núcleo gira en torno a la idea de que las heridas también pueden provocar belleza, ha devenido un catalizador para tomar la Poesía -en mayúsculas- como forma de entendimiento, pasión y creación, sobre todo la escrita por autoras, entre las que destacan las poetas Anne Sexton, Emily Dickinson o Anne Carson.
Pablo del Pozo presenta en esta exposición un proyecto multidisciplinario, centrado en la germinación de la vida y la celebración del deseo en una nueva naturaleza, en un nuevo hábitat. Se trata de una investigación formal, principalmente escultórica, para la cual ha utilizado materiales textiles, desde la cuerda de guita y la tela de yute hasta la licra y la lana, y que ha trabajado a través de técnicas tradicionales, principalmente el ganchillo, y otras más modernas como el hand tufting. El artista ha realizado las obras manualmente, en un laborioso proceso que ha requerido de largo tiempo para confeccionarlas y, que a su vez, le ha permitido revalorizar las consideradas “labores femeninas”.
Las obras de Mi boca florece como un corte se caracterizan por sus formas orgánicas, que remiten a organismos como flores, plantas colgantes, pero también a vísceras o cuerpos húmedos, y cuya concepción se ha valido de ramas como la botánica y la zoología. Para las esculturas de lana, tela y cuerda, junto con los tapices, Pablo del Pozo se ha basado en las tramas microscópicas de células vegetales y humanas, que ha intentado replicar a través de los patrones de costura. A propósito de las piezas de licra, los pétalos se transfiguran en una textura que recuerda a una piel brillante en estado de transpiración, a un brillo que remite a la tela de disfraces y a la ropa de fiesta, al disfrute de la vida. La estructura de las flores – los órganos reproductivos de las plantas que atraen a la fauna para que esta se expanda y colonice por el territorio- nos conduce a la idea del deseo como uno de los puntos centrales de la exposición.
A partir de estas imágenes, Pablo del Pozo crea un entorno natural donde ofrecer un remanso que acerca la muerte y la vida. Y es que, como afirma la escritora y editora Patricia Castro, sobre el dispositivo, “la multiplicidad de lo vivo ataca las certezas de un mundo pavimentado donde las flores deben crecer a los márgenes de la carretera. Se les impide brotar. Planta, animal, hombre o mujer ya no significan lo mismo. El fin se acerca, ¿lo sentís? Abrazadlo. Y no tengáis miedo a lo desconocido. Bienvenidxs de nuevo a la vida.”
En esta nueva serie, el artista vizcaíno Kepa Garraza, propone una nueva visión acerca del papel y la función del monumento público, a la vez que invita a explorar la relación existente entre arte, propaganda y poder. Todo ello lo hace a través de lo que él mismo denomina como un “juego de sustitución” que provoca al público a replantearse ideas asociadas con la naturaleza del monumento, su utilidad y el porqué de su existencia.
Con todo este “juego de sustitución” y con las estatuas ficticias como foco del proyecto, el artista propone una visión crítica acerca de la personificación de la autoridad y del poder, puesto que las imágenes creadas no se plantean como una alternativa ni real ni deseable. Además, al contextualizar estas estatuas en los escenarios originales, donde hallamos los retratos de la autoridad y el poder, se representa una estética anticuada que nos distancia de estos nuevos líderes anónimos. En definitiva, las obras de la serie no solo invitan al espectador a reflexionar sobre la representación del poder y de la violencia, sino que también le sugieren meditar sobre la simbología empleada cuando se representa algún tipo de autoridad, ya sea militar, política o religiosa.
Recuerda, inauguración esta tarde en C/ Aribau 75 de Barcelona
De dilatada trayectoria internacional y con obra en la Fundación Masaveu Peterson, la Colección JAPS y en Museos como el CEART de Fuenlabrada y el IAACC de Zaragoza, José Moñú (Zaragoza, 1981) ha desarrollado su carrera entre Madrid, Berlín, Ámsterdam y NuevaYork, de donde ha vuelto recientemente pisando fuerte.
En ‘Moñú luego existo’, el artista nos presenta su última obra, que sigue ahondando en su principal tema, el retrato. Moñú representa la crisis del tiempo, la falta de vida contemplativa y la hiperactividad de la actual sociedad del cansancio (Byung-Chul Han, 1959 Seúl), donde todo es apresurado y se ha perdido la capacidad de demorarse en algo. Sólo importa el consumo, de lo que sea.
Los rostros se funden, desfigurados, por el flujo incesante de información. El tiempo se atomiza. No hay estabilidad. Todo es movimiento.
Somos unos afortunados de poder mostrar el trabajo de un artista reclamado por galerías de diferentes ciudades y países. Es una exposición muy recomendable en todos los aspectos,
És Balé perquè ens convida a una dansa conjunta. És Literal perquè subverteix el significat de les paraules i de les coses, mobilitzant l’ambivalència subversiva del registre poètic. Ideat com una forma d’activació col·lectiva, Balé Literal és una coreografia de paraules, objectes i persones que transiten al ritme dels nostres temps errants.
“Uso la paraula ‘objectes’, però potser seria millor anomenar-los ‘ens’”, reflexiona Laura Lima. Aquest repertori d’artefactes dansaires anima conceptes desenvolupats per l’artista al llarg de tres dècades, formulant així una crítica poètica de l’exposició retrospectiva. Balé Literal és una exposició-ball convertida en organisme viu.
La inauguració començarà amb una conversa entre l’artista Laura Lima i María Berríos, directora de Conservació i Recerca del MACBA. L’entrada a la conversa i a la inauguració és lliure.
Sábado intenso en Barcelona con un montón de actividades y entrada libre en casi todos los museos… ojo que en algunas hay que reservar o confirmar plaza…
Comisario: Valentín Roma Inauguración: viernes 12 de mayo, 19 h
John Berger (Hackney, Londres, 1926 – París, 2017) ocupa un espacio de referencia entre aquellos autores que, a mediados del siglo XX, cuestionaron las interpretaciones formalistas sobre cómo debían leerse las imágenes desde lo contemporáneo.Así, aunque produjo textos emblemáticos en prácticamente todos los campos de la escritura —poesía, dramaturgia, novela, ensayo y guion cinematográfico y televisivo—, en Berger sobresalen unas formas de contar, unos modos de ver, que restituyen las implicaciones ide ológicas, morales y estéticas de cada historia o cada imagen, todo ello sin dejarse atrapar por el argot academicista ni por el metalenguaje de la teoría.
Permanent Red es una exposición que toma su nombre del libro homónimo, publicado en 1960, en el cual se reúnen algunas de las críticas de arte de Berger para la revista marxista New Statesman, con la que colaboró durante más de una década, desde 1951. Estos escritos, muy conocidos en su momento, ofrecían lecturas furibundas contra el gusto burgués —el propio título es una provocación en este sentido—, presentando a artistas desconocidos o muy minoritarios, obras anticanónicas y análisis que discrepaban de la historiografía conservadora.
La muestra, una de las más completas que se han realizado hasta hoy, incide en el carácter político de la trayectoria de Berger y en sus colaboraciones con fotógrafos como Jean Mohr, cineastas como Mike Dibb y Alain Tanner, dramaturgos como Simon McBurney o poetas como Mahmud Darwish. Además, se exhiben dibujos y materiales documentales museográficamente inéditos, cedidos por los herederos del escritor inglés, la British Library de Londres —donde está depositada una parte significativa de su archivo personal—, Photo Elysée – Musée cantonal pour la photographie de Lausana y la BBC.
Tras abordar Sobre la fotografía, de Susan Sontag, y La cámara lúcida, de Roland Barthes, Permanent Red completa una suerte de tríptico expositivo realizado por La Virreina Centre de la Imatge alrededor de estos tres autores seminales para comprender la reflexión visual.
Esta es la propia “folha de sala” de Ana Jotta para Never Never Land, su tercera exposición individual en ProjecteSD que se inaugura este jueves 11 de mayo.
Es típico de la artista crear este tipo de documento, modesto, impreso a menudo en papel de color, donde, utilizando generalmente texto, a veces acompañado de pequeños bocetos o dibujos lineales, comparte algunas ideas o da referencias sobre sus intereses sin intención alguna de desvelar el contenido de la exposición.
Ana Jotta: Never Never Land. Inauguración 11 de mayo, de 19h a 21h, ProjecteSD, Barcelona.
La exposición explora el legado estético, filosófico y político del marqués de Sade en la cultura contemporánea desde las vanguardias de principios del siglo XX hasta la actualidad.
El escritor libertino Donatien Alphonse François de Sade (1740-1814) es un personaje polémico que algunas personas han visto como un pensador revolucionario y liberador y otras, como un autor pernicioso y corruptor. Sus escritos pueden interpretarse como una filosofía de la libertad, pero también como una filosofía del mal.
La exposición nos presenta la figura del marqués de Sade y la influencia que su legado ha tenido en el ámbito del pensamiento desde principios del siglo XX hasta nuestros días. Nos muestra el impacto que sus polémicos textos ha tenido en una serie de artistas e intelectuales, y nos explica cómo se ha convertido en un icono muy presente en la cultura de masas. En el siglo XX, se crearon numerosas obras que se referían a él de forma directa o indirecta, lo que puede considerarse una señal de la fascinación, la incomodidad y las contradicciones que sus ideas provocaron durante el siglo pasado, además de una prueba del potencial subversivo de su producción literaria, que hoy en día todavía resuena.
«Sade. La libertad o el mal» nos invita a revisar algunos estereotipos, por ejemplo, los asociados al término sadismo, y a reflexionar acerca de cómo la figura de Sade puede llegar a provocar conmoción y escándalo, por un lado, y ser aclamada como la personificación de la revolución, por el otro. Para realizar este análisis, la exposición nos habla de algunas figuras fundamentales de las vanguardias que han celebrado al autor: Guillaume Apollinaire, Georges Bataille, Salvador Dalí, Toyen y Man Ray, entre otros. También nos presenta la visión crítica de Pier Paolo Pasolini y las reflexiones de artistas contemporáneas que hablan de la libertad de expresión, la transmutación de los roles de género, el deseo, la violencia, la institucionalización del terror y el papel de la imaginación pornográfica en la sociedad de consumo.
El recorrido de la exposición contiene documentación de las performances históricas de Jean Benoît y Jean-Jacques Lebel, proyectos fotográficos de Marcelo Brodsky, Robert Mapplethorpe, Pierre Molinier y Susan Meiselas, aparte de referencias a obras de la literatura, el cine y el cómic, y vídeos de entrevistas con filósofos e investigadores. En la muestra, las instalaciones de artistas como Laia Abril, Paul Chan, Shu Lea Cheang, Teresa Margolles, Joan Morey y Kara Walker conviven con producciones nuevas de Joan Fontcuberta y Domestic Data Streamers, con referencias a los trabajos escénicos de Angélica Liddell, Albert Serra y Candela Capitán, y con la filmación de un fragmento de la obra Le retour de Sade, de Bernard Noël, dirigida por Guillem Sánchez Garcia e interpretada por Clàudia Abellán y Joel Cojal.
Apartados de la exposición
La visita a la exposición comienza con un prólogo dedicado a la vida de Sade, prosigue con cuatro ámbitos temáticos en torno a su legado cultural y filosófico y termina con un epílogo acerca de su vocación teatral. Los cuatro espacios centrales de la muestra reciben el nombre de «pasiones», término que proviene de la obra Los 120 días de Sodoma. Así, durante el recorrido, el visitante se encontrará con las «Pasiones transgresoras», ámbito que aborda la influencia sadiana en las vanguardias del siglo XX; las «Pasiones perversas», sección dedicada a los límites de la representación del erotismo; las «Pasiones criminales», espacio centrado en el abuso, la crueldad y la dominación, y las «Pasiones políticas», apartado que aborda la violencia sistémica y el abuso de poder. ¿Debemos considerar la obra de Sade como una filosofía de la libertad o del mal? La muestra plantea esta pregunta que constata que tal vez sean indisociables: sin pensar el mal, es difícil definir la libertad.
Recordad, inauguración estar tarde a partir de las 18,30h.
Sábado movido en Barcelona y, especialmente en la zona del Poble Nou y aledaños… Nuestros amigos del Piramidón nos invitan a la inauguración de ‘el blanco va de fondo’ la nueva exposición dual de Sebastián Cobo (Santiago de Chile, 1993) y Mau Samayoa (El Salvador, 1989) ambos artistas residentes temporales en Piramidón.La inauguración coincidirá con nuestros tradicionales vermuts y tendrá lugar el próximo sábado 6 de mayo a las 11h en el marco del Poblenou Open Day.
Ambos artistas presentan una selección de obras creadas durante su residencia en el centro, siendo la exposición el colofón de su estancia en Piramidón. Partiendo del papel como soporte, presentan abstracciones geométricas desde distintos enfoques, técnicas y patrones, estableciendo un diálogo en el que el azul cobalto deviene el nexo entre ambas visiones.
La inauguración tendrá lugar en la galería y terraza de Piramidón, donde podremos disfrutar de las mejores vistas de la ciudad mientras tomamos un vermut.
Recuerda, este sábado a partir de las 11h en Concilio de Trento 313, planta 16, en Barcelona.
Por último, para un jueves de pura locura… nuestras amigas de NoHo presentan también una colectiva con una pinta estupenda y que merecerá sin duda una visita…
Inauguran también esta tarde a partir de las 18h en su sede de la C/ Córcega 224 de Barcelona.
Hoy jueves a partir de las 18.30h inauguramos Anarcoma, tu y yo, una exposición que reúne una selección de 37 dibujos originales de Nazario protagonizadas por su icónico detective travestí del submundo de la Barcelona de los años 70 y 80. La exposición, que se complementa con material gráfico, recortes de prensa y algunas revistas originales, irá acompañada de un texto de la escritora y activista Valeria Vegas.
La muestra, organizada por Bombon en colaboración con Dessislava Pirinchieva, se podrá visitar hasta el 16 de junio.
Causación : relación que se establece entre la causa y el efecto, por la que se supone que, si la causa está presente, el efecto seguirá con toda certeza.
“Veo arte cada vez que miro, cada vez que pienso… Represento en mis telas las sensaciones de imágenes que me sorprenden a primera vista.”
En esta exposición se exploran las emociones, las casualidades y lo onírico que en su combinación crean una experiencia visual única e impactante.
Xavi Mira ha buscado capturar la esencia de los sueños, del mundo surrealista y fantástico lleno de símbolos y metáforas y el concepto de las casualidades como un medio para explorar los límites de la creatividad.
Cada obra de arte es el resultado de una serie de decisiones tomadas por el artista, pero también está influenciada por factores externos que están fuera de su control. Algunas obras de arte presentan líneas y formas que parecen haber surgido por accidente, mientras que otras exploran la complejidad del subconsciente humano sumergiendo al espectador en los mundos imaginarios.
«Causación” presenta una variedad de temas que reflejan la diversidad de la experiencia humana y la belleza que puede surgir de lo inesperado.
Carmen Calvo (Valencia, 1950) es una de las artistas visuales más importantes de nuestro país. A través de su obra, indaga de una manera crítica, a la vez que poética, en los vestigios del pasado y en la memoria de nuestro país. Calvo ha llevado a cabo múltiples exposiciones y ha sido objeto de un gran número de reconocimientos y encargos públicos. Por ejemplo, en el año 1997 representó a España, junto con Joan Brossa, en la Bienal de Venecia. Entre sus exposiciones retrospectivas encontramos la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2002) y la de la sala Kubo Kutxa de Donostia (2019), así como la reciente gran exposición que ha preparado el IVAM (2022). También ha creado varias obras para espacios públicos, como el techo de la escalera del palacio de Benicarló, sede de las Cortes Valencianas (1994). En 2013 se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 2014 fue nombrada académica de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos y su más reciente reconocimiento fue en 2020 al recibir el Premio Julio González.
Tras las series Escrituras, Paisajes y Recopilaciones, realizadas con pinceladas de arcilla, creó bodegones con formas abstractas de yeso, hierro y arcilla, y trabajó con objetos hallados repletos de una gran carga emocional. Más tarde pasó a utilizar el medio fotográfico, con ampliaciones de fotografías de los años cuarenta, cincuenta o sesenta que manipula con pintura y con objetos como pueden ser cuerdas, cintas, manos de cera, cabellos, máscaras y agujas. Son retratos colectivos o individuales de una época de silencio y represión, tratados con acidez e ironía y, a veces, cercanos a la poética surrealista.
Esta exposición empieza con una pequeña retrospectiva de la artista valenciana, seguida de un conjunto de obras que Calvo ha creado durante la pandemia. Concluye con obras realizadas de forma expresa para esta propuesta y que se inspiran en la obra de Picasso.
Hoy sábado 6 de mayo celebramos el Poblenou Open Day, una jornada donde la comunidad creativa de Poblenou Urban District abre más de sesenta espacios ofreciendo una programación variada, en la que se invita al público a descubrir la oferta del Distrito Creativo de Barcelona. Durante diez horas ininterrumpidas podréis disfrutar de una programación exclusiva de exposiciones, arte, diseño, fotografía, danza, charlas, talleres, DJ’s, música en vivo, visitas guiadas y gastronomía.
Armando Rampas 